Digger: cuando el teatro se convierte en el campo de batalla entre el arte y la billetera

Te confieso que cuando me senté a ver la sala debutar con la nueva película de Alejandro González Iñárritu, todavía tenía en la cabeza el eco lejano de la batería de Birdman, aquella percusión salvaje que parecía empujar a Michael Keaton a saltar entre las azoteas de Broadway. Ahora, con Digger, la pantalla vuelve a llenarse de escenarios, camerinos y reflectores, pero el ritmo es otro, más denso, más agobiante, como si el aire dentro del teatro estuviera enrarecido por algo que no se dice en voz alta.

A más de una década de aquel estreno, el director mexicano recupera el terreno que mejor conoce: una estrella de Hollywood, un teatro en crisis, una obra que se monta entre bambalinas y un personaje que se mira el ombligo mientras intenta salvar algo que se le escapa de las manos. Pero donde Birdman podía leerse casi como una celebración desaforada del arte y de la reinvención, Digger se planta en un lugar mucho más incómodo, mucho menos festivo.

La contradicción como motor

El punto de partida es sencillo y a la vez envenenado. Tom Cruise interpreta a un hombre que acepta el respaldo de un magnate milmillonario para producir su propia obra teatral, con el objetivo último de rescatar a su hija de una situación que ese mismo entorno de poder ayudó a provocar. Es una trampa moral de manual, pero está contada sin solemnidad, con esa incomodidad que solo consigue un director que sabe lo que es firmar cheques grandes para rodar películas grandes.

La película pone el dedo en la llaga una y otra vez: el arte que denuncia al poder solo puede existir gracias al dinero de ese poder. El público que aplaude la caída simbólica de un magnate en una sala teatral no hace otra cosa que ejercitar una catarsis que no tiene ningún equivalente afuera, en la calle, donde las cuentas se pagan de verdad.

• La narración muestra cómo el financiamiento privado condiciona cada decisión artística, desde el casting hasta el texto que se sube a escena.
• El recurso del falso plano secuencia, que fue marca registrada de Birdman, aquí se abandona, aunque sobreviven casi todos los demás hallazgos de aquella película.
• El cierre es áspero, sin concesiones al optimismo, y deja la sensación de que trabajar dentro de una industria sostenida por capitales enormes es, en sí mismo, un problema sin solución limpia.

Comparada con su antecesora, Digger hereda el ADN pero le cambia el ánimo. Si en Birdman quedaba margen para pensar que el arte podía redimir al artista, acá ese consuelo se evapora. La cámara sigue merodeando entre bastidores, los pasillos siguen oliendo a pintura y a café recalentado, pero la luz es menos esperanzada, y el guion no le regala al personaje de Cruise ninguna salida digna.

Esa apuesta más radical la deja mal parada de cara al circuito de premios, donde las películas de alcance comercial masivo suelen tener ventaja. La única variable que puede torcer el cálculo es una actuación de Cruise lo suficientemente potente como para cargar con todo el peso de la campaña y arrastrar al resto del equipo con ella.

La pregunta que sobrevuela la sala

Me fui del cine con una pregunta dándole vueltas en la cabeza, esa misma que la película parece dejar caer sobre las butacas como un desafío: puede el cine denunciar al dinero que lo financia sin terminar volviéndose parte del problema. Es una interpelación que no se resuelve en los títulos finales, y que por eso se siente honesta, incómoda, profundamente humana.

Me animo a decir que Digger no es una película fácil de recomendar: no tiene la pirotecnia visual de El renacido ni la frescura desquiciada de Birdman. Pero tiene algo que a mí, personalmente, me valor cada vez más en el cine de autor: la valentía de no hacer concesiones, de quedarse en el costado más áspero de la contradicción y de confiar en que el espectador va a bancar esa incomodidad. En un año cargado de apuestas seguras para los premios, esa osadía ya es, de por sí, una declaración de principios.